视觉效果已经无限逼近真实的动画，作为动画存在有什么意义？（宫崎骏作品《千与千寻》: 真爱与成长的冒险故事）

宫崎骏作品《千与千寻》: 真爱与成长的冒险故事

宫崎骏曾对记者说：“我拍这部电影时，就希望看了这部电影的孩子们长大了、老了，还会想带自己的孩子重看这部电影。其实，我本来也想，让现在的老公公老婆婆看了，也会情不自禁地建议他们的孩子去看，不过这样讲是有点厚脸皮，所以还是把希望放在下一代吧。” 宫崎骏在接受一次访谈时，说道千寻与小白的“爱”是指一种在困境中互相扶持，给予彼此鼓励坚强活下去勇气的朋友，也代表了人类和大自然的关系——谁也离不开谁！ “爱”是一种更广义的东西，就是善待他人急人所难。千寻用丸子救白龙是因为爱，给无面男吃也是出于同样的真挚之爱。 如果一看见“爱”这个字眼就本能的联系到男女，这是对“爱”这个字眼的矮化。爱不但产生于男女，也产生于亲人，朋友，同事，同乡，同类，真正伟大的爱甚至包括敌人，非同类，生命环境。我想这也是此片给予我们的感动......

《千与千寻》叙述了千寻的一个生活小片段，讲述她在面对困难时，如何逐渐释放自己的潜能，克服困境。这正是我要我那些小朋友学习的。这故事也令人联想到现实社会中，一个初出茅庐的女孩进入一间大机构做事的情形。面对陌生的环境，冷漠的人事，这女孩要付出相当的努力，发掘内在的潜能，克服种种挑战，方可建立一片立足之地。现实世界里的人事，是如斯复杂！是非黑白，往往很难界定。正如故事里的汤婆婆，看似是个坏人，但背后却也有她辛酸的一面。

电影评价

一

关于千寻与小千 “忘了名字就回不去了。”——白龙 汤屋在影片中被比喻为充满诱惑、欲望、嫉妒和排挤的现实社会，千寻其实是一个刚刚从象牙塔中走出的女孩，名字在这里其实指的是人最初的价值观。 初到汤屋，“千寻”被改成了“千”，象征了初入职场人原有的价值、底线会受环境影响改变。 记住名字就是把握住自己最初的原则。 忘了名字就是忘了自己的原则，被环境改变着。 回不去指失去了自我，找不到最初的理想，偏离了航线。 1、影片中的汤屋被比喻成现实社会，虽充满肮脏与混乱，却也能让我们在当中找到生命的真善美。 2、千与千寻是主人公在两个世界的不同名字。喻示着两个不同性格的千寻。现实中，她懒惰，胆小；在另一个世界中，她坚强，勇敢，激发出无限潜力。 3、影片中的河神形象一直是大家所讨论的话题——为什么河神是那么肮脏，浑身充满垃圾，以至于被误认为腐烂神。而最后却是千这个小女孩净化了他？也许，这正象征着人类对自然的破坏，对江河的污染，而要千寻去净化他，也是说明人类所造成的结果，需要人类自己来解决。

二

《千与千寻》是日本著名动画大师宫崎骏献给曾经有过10岁和即将进入10岁的观众的一部影片，它以现代的日本社会作为舞台，讲述了10岁的小女孩千寻为了拯救双亲，在神灵世界中经历了友爱、成长、修行的冒险过程后，终于回到了人类世界的故事。 佛教说，入世的生活是物质的、感情的、人群的生活，《千与千寻》正是借由小女孩千寻的经历，在积极探索一条入世的道路。千寻由一个物质世界跌入一个对于她来说全然陌生和充满着困境的神灵的世界，“回归”将是一切努力的终极目标，取胜的魔法只有一句话——“为了他人而做一件事”，不屈的千寻最终发现了自身存在的意义，她于是努力以成长的主题去实现自己对世界的怀疑与期待。 “在万物重生的早晨，来到静寂无声的窗前，一切归零之后渐渐充实，不再去追寻海的彼岸，耀眼的宝物一直就在这里，在我身上就可以发现。” 宫崎骏没有迪斯尼那么花哨，他甚至有些落伍，直到现在，他还坚持用手工绘画而不是电脑绘图来完成自己的卡通片。但他懂得一部卡通片，或者说是一部电影，用什么去打动别人，这就是人文。所以，宫崎骏笔下的形象是一个个人，而不是一个个没有知觉的卡通。 “电影的力量在于动人，卡通的力量在于纯真，宫崎骏掌握了这些力量，他取得了理所当然的胜利”。——《新闻晚报》 “这是一个没有武器和超能力打斗的冒险故事，它描述的不是正义和邪恶的斗争，而是在善恶交错的社会里如何生存。学习人类的友爱，发挥人本身的智慧，最终千寻回到了人类社会，但这并非因为她彻底打败了恶势力，而是由于她挖掘出了自身蕴涵的生命力的缘故。现在的日本社会越来越暧昧，好恶难辨，用动画世界里的人物来讲述生活的理由和力量，这就是我制作电影时所考虑的。”——本片导演 宫崎骏 “《哈利·波特》和《千与千寻》都是很流行的幻想文学作品，都很受欢迎，但从想像力这点来看，前者不如后者。日本漫画家宫崎骏的《千与千寻》非常好，把孩童时期的想像力都发挥出来了。如果比较两部作品，可用搭积木来做比，有一堆各色的积木，《哈利·波特》很好地使用这些积木搭了一座非常好的建筑物，而《千与千寻》的独特之处在于，它创造了另一套积木。”——评论人 杨鹏 宫崎骏的许多影片被称为“成人童话”是有根据的，他的影片是对社会、人生的一种深远层面的思考，虽然他本人一直保持着对少年题材的特有的偏爱，但也不可避免地从成人视角出发，例如《红猪》是作者自传性的作品，《风之谷》、《天空之城》、《幽灵公主》等都是面对一个生死存亡的话题，都旨在给现实中盲目着破坏平衡的人们一个启示（特别《幽灵公主》MPAA给它分级是PG－13，即不适合13岁以下的观众观看）。 宫崎骏也绝不是要将动画变成为成人的专利，《千与千寻》就是他为孩子们所做的一部影片，他从千寻的视角出发去看世界，千寻的想和做，宫崎骏都完全依照儿童的思维进行，这就使小观众们对影片多了一丝认同，少了一丝间离效果。

三

迁往新家的途中，10岁的小女孩千寻和父母无意中撞入了一座隐藏在山林深处的奇怪小镇，空荡荡的街道边，店铺一家连着一家。在路边的小吃店里，热气腾腾的食物让千寻的父母忍不住大吃起来，然而千寻却注意到这个地方真的是一个人影也看不到，这一切背后一定藏着巨大的秘密！它是什么呢10岁的小女孩千寻又会遭遇怎样的冒险呢？这就是日本动画大师宫崎骏的最新大作《千与千寻》要为我们讲述的故事。 源于食物的欲望，父母触犯了规条而被变成了猪———这是宫崎骏一个典型的情节，一个绝妙的黑色幽默。才10岁的女孩千寻被迫在幻境之城的神仙浴场里讨生活，突然面对人生的窘境，千寻根本无法选择，但在艰苦的劳动中，柔弱的千寻发现了那沉睡在她内心的力量，也第一次真正地体会到人与人之间的爱。终于她要出发去解救陷入诅咒的父母和她所爱的人。 有点离奇，有点黑色的幽默，却又充满了厚重的哲理和动人的温情，这就是宫崎骏动画的魅力。 3年前宫崎骏在创作另一部著名的动画大片《幽灵公主》时，就得了严重的手疾，年纪已过半百的他是忍着伤痛完成了那部让人回味深远的动画的，在《幽灵公主》的首映试上，宫崎骏早就宣布从此封笔。可3年之后，这位60多岁的老人终于还是忍不住重出江湖。而且一出手就是这部制作极其精良的动画巨作———《千与千寻》，它不仅在今年2月拿下柏林金熊奖，更在日本国内突破了《泰坦尼克号》创下的票房纪录。这是不是让人不可思议？ 原只是为了孩子创作的此片，《千与千寻》却让更多的大人醒悟到已经失去的纯真与热情。 和宫崎骏过去的作品一样，这部《千与千寻》保持了他一贯的画风，水彩画出的风景透着灵气和清新，精细的建筑描绘中又藏着天马行空般的想象力，线条简单的卡通形象又不失单纯与可爱，这些都让你很容易就分辨出宫崎骏特有的风格。 当你走进宫崎骏的世界，你仿佛远离了世俗的人生，这里一草一木，一人一物都被赋予了灵性：可爱好玩的运煤蚂蚁、有八只脚的锅炉老头、外表冷峻内心热烈的小白、横蛮的女巫汤婆婆和她那胖得无法移动的宝贝儿子、脆弱可笑的无脸男，甚至那巨大的神仙浴场也像是一个有着生命的巨虫，还有那被大海包围的车站又通向何方？ 然而这也是一个现实的世界，这里上演着所有人生的悲喜剧。它不是简单的教化，不是简单的善与恶的对决，所有的故事冲突都源于人的内心，是对自我的艰苦寻找。

"真人版《狮子王》：特效如何将故事表达推向新高度？"

题主问的大概是“这种无限逼近真实的动画”存在的意义是什么。

影视作品的娱乐作用很大程度来自于“沉浸感”或“共情性”，和表演、故事体验、视觉画面和音效都分不开。比如《狮子王》本身故事非常优秀，而原版动画片给现在的小孩子看，恐怕也没有上一代人小时候的观影体验好了，主要原因并不是故事，而是画面。

2002年重制了IMAX版《狮子王》，2011年又推出过3D重制版，对于3D重制片来说票房表现很好了。答主当时还在北美上学因此有幸在影院观摩过，画面体验还是不错的，故事因为太熟悉了很难像当年一样投入，当然影院音效还是完爆小时候在家拿CRT电视机看录像带。况且11年时3D片源不像现在这样烂大街，3D观影还稍稍有点新奇感。

之前重置版的成功加上2016年《奇幻森林》在特效和票房双收，“真人版”《狮子王》重制本应有一定保底才对，但从目前各种评价来看并不是这样，我们来分析一下是为什么。

答主从事真人CG制作，曾负责《猩球崛起3》和《死侍2》的角色三维扫描建模，因此对卡通到真人CG有一点了解。首先卡通动画角色的五官比例、身材比例和真人相比是有天壤之别的，画卡通入门时就会教线稿勾出大型，四肢长度、五官位置一类。

做CG渲染时讲究材质，简单讲就是告诉渲染器（软件）如何模拟物体表面反光。我们日常肉眼看到的画面都是光线打在物体上反射到视网膜的效果，光线打在塑料上和金属上的表现肯定是不同的，打在皮肤表面尤其会更加复杂，要模拟表面反射，皮层折射（sub surface scattering），表皮油脂等等等，即使非常复杂，以现在的CG技术也是完全可以以假乱真的。上面讲了这么多，其实是想说如果把一个卡通人物的3D模型拿来，直接换成真人皮肤的材质来渲染的话，其结果常常令人毛骨悚然。

卡通人物真人化一直是难题，调整五官比例都是显而易见的，细节上像调整皮肤材质这种问题，到配音，哪一个单挑出来都让人头大。我们曾参与过某个游戏项目，角色聘请演员A三维扫描下来，全身动捕使用演员B，面部动捕演员C，配音演员D，最终呈现的效果十分扭捏，当然这是客户制片的锅，与我无关... 常说字如其人，不如说一个人的身材、脸、声音、性格是配套的。

举个真实例子，X战警中的Colossus，漫画中是这样的

《X战警》电影中是这样的

《死侍1》中是这样的

《死侍2》里又是这样的...

《死侍1》中导演特别要求过Colossus的材质效果，结合几种金属作参考，体现金属质感又不要过度反光。《死侍2》的导演换了，后期特效公司也换了，加之剧情需要例如和Juggernaut大战，整体设计又有变化，身高维度不知有没有增加，但至少可以看出胳膊上增加了很多线条以勾勒出肌肉走势，多少黑化一点。

除此之外还有很多例子，比如每部漫威的绿巨人都会有变化，雷神中的绿巨人为了突出雷神战斗力爆表，活活把绿哥改小了好几圈。如果按前几部复联的设定，绿哥锤雷神白玩儿。

目前看过漫画转真人体验最好的应数《阿丽塔》，对答主个人而言这是头一个可以无缝沉浸体验角色感受的虚拟人物，是这部电影最大的突破。

举个例子，阿丽塔咬巧克力那个镜头，就让人感觉“真香”。

说回《狮子王》，负面评价大多诟病于动物面瘫，以及构图完全复制原版动画。

作为影视特效从业者，观影时会不自觉带入行业背景。我喜欢把好莱坞特效片分为三类——迪士尼系，Weta系，和其他。

迪士尼系例如复联系列，星战系列，童话故事系列——主力特效公司例如工业光魔ILM和MPC之类。

Weta是新西兰的特效公司，也为很多迪士尼的电影服务，上面几部其实都有Weta参与但不是主力。而Weta作为主力特效公司的片子，风格上和迪士尼系有明显不同，例如《指环王》、《阿凡达》、《猩球崛起》、《阿丽塔》，Weta被詹姆斯卡梅隆烙上了很重的痕迹，其特效技术和电影艺术的结合与迪士尼相比是完全不同的思路。

《阿丽塔》的成功实际是建立在《猩球崛起》之上，《猩球崛起》又建立在《阿凡达》和《指环王》之上，不光是技术经验的积累，一系列影片也可以看到特效技术与艺术之间的相辅相成，摸索中进步到现在的效果。

真人版《狮子王》既是之前片子的积累结果，又是给未来电影的尝试，特效如何把故事表达推到新的高度，过程中的惊喜与坎坷一定会并存。

答主所在地区《狮子王》上映时间较晚，目前还没有看过。对我个人而言，挑个好影院，感受一下非洲宏大场景画面加重新做的音效，足够赚回票价了。